Fresko Malerei - Bekannte Fresken und deren Künstler (2024)

Seit der klassischen Antike ist die Freskomalerei eine beliebte Kunstform. In der frühen und späten Renaissance erlebte die Freskomalerei einen unglaublichen Aufschwung mit Werken wie Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle. Die Freskomalerei eignet sich am besten für großflächige Wandarbeiten und wird als eine der unglaublichsten Wandmaltechniken der Kunstgeschichte gefeiert.

Was ist ein Fresko?

Viele halten Fresko- und Wandmalerei für ein und dasselbe, aber das ist nicht ganz richtig. Während fast alle Fresken Wandmalereien oder großflächige Gemälde an Wänden oder Decken sind, sind Wandmalereien nicht unbedingt Fresken. Die Definition von Fresken unterscheidet sich geringfügig von der von Wandmalereien.

Also, was ist ein Fresko? Der Name Fresko oder „frisch“ im Italienischen stammt von der Praxis des Malens mit einer Mischung aus Wasser und Pigmenten auf frisch aufgetragenen Wandputz. Wenn der kalkhaltige Putz an der Luft trocknet, verschmelzen die Pigmentpartikel durch die Karbonisierung im Putz. Auf diese Weise erhöht die Freskomalerei die Festigkeit der Wand und des gemalten Bildes.

Der Ruhm der Freskomalerei liegt in ihrer Langlebigkeit. Freskomalereien überdauern fast jedes andere Medium. Viele Fresken aus dem antiken Griechenland, Rom, Indien, Sri Lanka und Ägypten sind heute noch in relativ gutem Zustand. Einige zeitgenössische Wandmaler verwenden weiterhin Freskotechniken, weil sie der Witterung besser standhalten.

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Unterschiedliche Freskomalerei-Techniken

Es gibt keine einheitliche Definition von Freskenmalerei. Es gibt drei verschiedene Arten der Freskomalerei mit unterschiedlichen Methoden, Pigmente auf den Wandputz aufzutragen. Buon oder „echte“ Freskenkünstler malen mit einer Pigment-Wasser-Mischung direkt auf den frisch aufgetragenen Kalkputz. Die Secco Freskomalerei verwendet mit einem Bindemittel vermischte Pigmente auf einer trockenen Gipsleinwand. Die Mezzo Freskomalerei schließlich liegt irgendwo in der Mitte der beiden vorherigen. Künstler, die Mezzo Fresken malen, malen auf Gips, der fast trocken ist.

Buon Freskenmalerei-Techniken

Buon Freskenmalerei ist die älteste, haltbarste und am weitesten verbreitete Art der Freskenmalerei. Die Farbmischung ist eine Kombination aus Pigmenten und Wasser bei Zimmertemperatur. Die Leinwand für die Buon Freskenmalerei ist eine sehr dünne Schicht aus nassem Gips, die Intonaco genannt wird. Der Intonaco selbst bindet das Pigment an die Wand, sodass kein Bindemittel verwendet werden muss.

Der Intonaco trocknet in der Regel innerhalb weniger Stunden und kann nicht durch einfaches Überstreichen repariert werden, daher müssen die Künstler schnell und genau mit Buon Fresco arbeiten. Es gibt drei allgemeine Schritte, die buon fresco Künstler befolgen müssen, um die Integrität ihrer Malerei zu gewährleisten.

Der erste Schritt beim Malen von Buon Fresko ist das Auftragen einer rauen Unterschicht, die Arriccio genannt wird. Die Arriccio-Schicht ist normalerweise eine Mischung aus Sand, Marmorstaub und Gips. Der Künstler trägt diese Unterschicht auf den gesamten zu bemalenden Teil der Wand auf und lässt sie ein paar Tage lang trocknen. Die Anzahl der Arriccio-Schichten in Buon Fresken variiert je nach Künstler und Epoche, aber sie kann bis zu drei betragen.

Sobald die Arriccio-Schicht getrocknet ist, kann der Künstler die Skizze seiner Komposition auf die Wand übertragen. Viele frühe Künstler haben Sinopia, ein rotes Pigment, verwendet, um den Plan für das Fresko zu skizzieren. Andere, modernere Techniken bestehen darin, eine Papierzeichnung auf die Wand zu legen und mit einer Spitze über die Hauptlinien zu streichen und schließlich einen Beutel mit Ruß über das Papier zu drücken, um die gepunkteten Linien freizulegen.

Am Tag des Malens spachtelt der Künstler den glatteren Intonacoputz auf die Wandfläche, die er an einem Tag fertigstellen konnte. Der Name für diesen „Tagwerk“-Teil der Wand ist giornata. Auf sehr großen Fresken sieht man normalerweise eine schwache Naht, die die verschiedenen Giornatas voneinander trennt. Manchmal planten die Künstler die giornatas nach Figuren innerhalb der Komposition, aber normalerweise beginnen die meisten Künstler oben.

Die vielleicht wichtigste Einschränkung bei der Verwendung von Buon Freskotechniken ist die schnelle Trocknungszeit der Intonaco-Gipsschicht. Normalerweise braucht die Gipsschicht zwischen zehn und zwölf Stunden, um vollständig zu trocknen. Traditionell beginnen die buon Freskenkünstler erst etwa zwei Stunden nach dem Auftragen des Intonacos mit dem Malen und beenden es zwei Stunden vor der endgültigen Trocknungszeit.

Nachdem der Giornata-Putz vollständig getrocknet ist, kann der Künstler nicht weiter malen und muss den noch nicht bemalten Intonaco entfernen. Die Karbonisierung des Kalkputzes beim Trocknen an der Luft ist ein wesentlicher Teil des Buon Fresco-Prozesses.

Secco Fresko-Maltechniken

Fresko secco-Techniken beseitigen den Zeitdruck von buon Fresken vollständig. Die Leinwand für secco frescos ist eine getrocknete Gipswand, und die Farbe enthält das Farbpigment und ein Bindemittel wie Tempura-Eigelb, Öl oder Leim. Bei der Secco Freskomalerei entfällt zwar das mühsame Vorbereiten des Putzes und die Notwendigkeit, schnell zu arbeiten, aber die Haltbarkeit ist geringer.

Künstler nutzten die Secco Freskotechniken oft, um Buon Fresken zu fixieren oder zu ergänzen. Blaue Pigmente zum Beispiel waren mit buon fresco wegen der Alkalität des Putzes schwer zu erreichen. Es wird immer offensichtlicher, dass viele Maler der frühen Renaissance die secco Techniken wegen der breiteren Farbpalette verwendeten.

Louvre Museum, CC BY-SA 2.0 FR, via Wikimedia Commons

Während die Buon Freskomalerei eine glatte Intonaco-Oberfläche erfordert, funktionieren Secco Freskomalerei-Techniken am besten auf einer aufgerauten Putzoberfläche. Die raue Oberfläche erhöht die Haltbarkeit von secco, aber diese Fresken sind anfälliger für Feuchtigkeit als buon Techniken. Für ganz secco Fresken wird der Intonaco aufgeraut und gut trocknen gelassen. Anschließend wird die Oberfläche durch Reiben mit Sand noch rauer gemacht. Der Künstler kann die Intonaco-Oberfläche genauso bemalen wie eine Holztafel oder eine traditionelle Leinwand.

Der Prozess des Secco-Malens ist nicht nur schneller, sondern die Künstler können auch leichter Fehler korrigieren. Außerdem ist der Farbunterschied zwischen der nassen Farbe und der endgültigen Komposition nicht so groß wie bei der Buon Fresko-Technik. Raffael und Michelangelo verwendeten in ihren Fresken häufig secco Techniken, und die Künstler schufen oft Vertiefungen auf der Putzoberfläche, um mehr Tiefe zu erzeugen.

Mezzo Fresko-Maltechniken

Die letzte Form der Freskomalerei ist die Mezzo Technik. Die Mezzo Freskotechnik ist eine Kombination aus dem Buon und dem Secco Stil. Die Künstlerinnen und Künstler malen auf fast, aber nicht ganz trockenem Intonaco, so dass das Pigment nur leicht in den Putz einzieht. Diese Freskotechnik wurde in der frühen Renaissance immer beliebter und hatte die Buon Techniken zu Beginn des 17.

Die Mezzo Freskotechnik hat mehrere Vorteile, von denen der wichtigste die Verlängerung der Malzeit ist. Die Verlängerung der Malzeit hat den zusätzlichen Vorteil, dass die Künstler größere Freskenflächen in einer einzigen Sitzung fertigstellen können. Vor allem Landschaftsgemälde profitierten von den Mezzo Techniken, da die Unterschiede zwischen den Buon Giornatas die Kontinuität der Komposition zerstören würden. Mezzo-Fresko-Techniken waren bei vielen späten Barockkünstlern beliebt, darunter Gianbattista Tiepolo.

Die lange und bunte Geschichte der Freskenmalerei

Auch wenn die Freskomalerei erst in der italienischen Renaissance richtig zur Geltung kam, reichen die frühesten Beispiele bis in die klassische Antike zurück. Auch wenn viele Menschen die Freskomalerei als traditionell westlich betrachten, wurden die Techniken historisch gesehen auf der ganzen Welt verwendet. Wir beginnen unsere Erkundung der Geschichte der Freskenmalerei in Ägypten und betrachten abschließend einige zeitgenössische Freskenstile.

Die ersten Freskomalereien

Soweit wir wissen, stammen die frühesten Fresken, die im Grab von Hierakonpolis in Ägypten gefunden wurden, aus der Zeit zwischen 3500 und 3200 vor Christus. Andere frühe Fresken in Israel, Ägypten und Kreta gehen auf das Jahr 2000 v. Chr. zurück. Diese Fresken schmücken typischerweise die Wände von Gräbern und Palästen und stellen verschiedene Bereiche des antiken Lebens dar, darunter Schlachten und Landwirtschaft. Die Investitur von Zimri-Lim ist ein fantastisches Freskenbeispiel aus dem Mesopotamien des 18. Jahrhunderts v. Chr. Diese frühen Grabfresken, besonders die in Ägypten, verwenden die Secco Freskotechnik.

Was die Buon Freskotechnik angeht, so stammen die ältesten Fresken aus den ägäischen Zivilisationen in der ersten Hälfte des Jahres 2000 v. Chr. Der Toreador ist vielleicht das berühmteste frühe Buon Fresko und stellt Männer dar, die als Teil einer heiligen Zeremonie über große Stiere springen. Viele der ältesten buon Fresken, die auf die neupalastische Ära datiert werden, befinden sich auf der griechischen Insel Santorin. Über die Herkunft anderer, ähnlich datierter Fresken in Marokko und Ägypten wird spekuliert. Einige Kunsthistoriker glauben, dass viele von ihnen durch den Handel von Kreta aus an diese Küsten gelangt sein könnten.

Heraklion Archaeological Museum, CC0, via Wikimedia Commons

Fresken aus der Klassischen Antike

Viele Künstler aus der Altgriechischen Periode malten Fresken, aber leider sind heute nur noch sehr wenige erhalten. Ein Grab der Magna Graecia, bekannt als das Grab des Tauchers, das 1968 in Süditalien gefunden wurde, enthält altgriechische Fresken, die auf 470 v. Chr. datiert werden. Diese Fresken zeigen Szenen aus dem gesellschaftlichen und alltäglichen Leben im antiken Griechenland. Auf einem Fresko ist zum Beispiel ein junger Mann abgebildet, der ins Meer taucht. Ein anderes Fresko im selben Grab zeigt eine Ansammlung von Männern, die sich beim Symposion ausruhen. Das Grab des Orcus in Italien enthält weitere Fresken aus der etruskischen Zeit.

Die buon Fresken, die in den Ruinen von Herculaneum und Pompeji gefunden wurden, zeigen den römischen Stil der Freskenmalerei. In den Katakomben unter Rom gibt es Beispiele für Fresken aus dem späten Römischen Reich. Weitere römische Fresken, die byzantinische Ikonen darstellen, gibt es in Antiochia, Kreta, Kappadokien und Zypern.

Das klassische Altertum bezieht sich in der Regel auf das antike Rom und Griechenland, aber in dieser Zeit gab es auch Fresken in Sri Lanka und Indien. In Indien gibt es über 20 verschiedene Orte mit erhaltenen Fresken, die auf die Zeit zwischen 200 und 400 v. Chr. datiert werden. Viele dieser Fresken schmücken die Decken und Wände von in den Fels gehauenen Höhlentempeln wie denen in den Ajanta-Höhlen. Die Fresken in dieser Höhle sind die ältesten in Indien und stellen das Leben des Buddha dar.

In Sri Lanka stammen die Sigiriya Fresken aus der Regierungszeit von König Kashyapa um 500 nach Christus. Die meisten Kunsthistoriker glauben, dass diese Fresken die Frauen am Hof des Königs darstellen. Der Stil dieser Fresken ähnelt dem Gupta-Malstil, der in den Ajanta-Höhlen zu finden ist. Die Sigiriya Fresken verwenden eine Fresko-Lustro-Technik, bei der eine kleine Menge Leim oder Bindemittel verwendet wird.

Cherubino, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Wiedergeburt der Renaissance-Fresken

Unter den italienischen Malern der Renaissance kam die Freske erst richtig zur Geltung. Viele Kunsthistoriker betrachten die Italienische Renaissance als den Höhepunkt der Freskomalerei, und viele der erlesensten Fresken aus dieser Zeit sind heute noch in atemberaubendem Zustand. Viele Fresken aus der Renaissance schmücken die Wände und Decken von privaten, öffentlichen und religiösen Gebäuden. Diese Fresken stellen oft biblische Szenen oder die Geschichten von Heiligen dar.

In der Renaissance wurde viel mit Freskentechniken experimentiert. Die Fresken der Renaissance sind meist reich verziert und einige enthalten Blattgold, wie die Scrovegni-Kapelle von Giotto di Bondone im Jahr 1305. Viele Künstler wie Michelangelo und Raffael experimentierten mit Tiefe und Perspektive, indem sie vor dem Malen in den noch feuchten Intonacogips ritzten.

In Michelangelos Sixtinischer Kapellendecke schnitzte er die Körper seiner fast 300 Figuren aus der Heiligen Schrift ein, damit sie sich vom Hintergrund abheben. Die Freskenmaler der Renaissance nutzten auch Verschiebungen in der linearen Perspektive, um das Aussehen des Raums um das Fresko herum zu verändern. Die Dominikanerkloster von San Marco Fresken von Fra Angelico sind zutiefst kontemplativ und erzeugen einzigartige architektonische Effekte durch die Veränderung der linearen Perspektive.

Gegen Ende der Renaissancezeit wurden die Künstler der anspruchsvollen Techniken müde, die für die Herstellung echter buon frescos erforderlich waren. Ölmalerei wurde das beliebteste Medium und wurde auf Holztafeln und gespannter Leinwand verwendet.

Ein englisches Fresko-Revival

Die Freskomalerei erlebte im 19. und 20. Jahrhundert in England ein Revival. Öffentliche Wandmalereien wurden unglaublich populär, und die Bewegung wurde von den Vertretern der Arts and Crafts-Bewegung und den Pre-Raphaelite Malern angeführt.

Pioniere der Arts and Crafts-Bewegung wie Phoebe Anna Traquair knüpften an vorindustrielle Kunstformen an. Eine Reihe von Fresken von Traquair, die als Edinburghs Sixtinische Kapelle bekannt sind, schmücken die Wände und die Decke der Mansfield Place Church. William Brassey Hole malte eine Reihe von Fresken in der National Portrait Gallery in Schottland. Eines dieser Fresken zeigt einen Prozessionsfries mit berühmten schottischen Persönlichkeiten, ein anderes ist dem Heiligen Columba gewidmet, der das Christentum nach Schottland brachte.

William Brassey Hole, Public domain, via Wikimedia Commons

Freskenmalerei heute

Die Freskomalerei ist heute sicherlich nicht mehr so weit verbreitet wie in der Vergangenheit, aber einige Künstlerinnen und Künstler zelebrieren und erforschen das Medium weiterhin. The Making of a Fresco, ein ikonisches Fresko des mexikanischen Künstlers Diego Rivera, ist von marxistischen Idealen durchdrungen. Rivera schuf in den 1930er Jahren eine Reihe von Wandgemälden in der Bucht von San Francisco. The Making of a Fresco ist ein sozialistischer Kommentar, bei dem verschiedene Gesellschaftsschichten von Künstlern auf einem komplizierten Gerüst dargestellt werden.

Die Fresken des italienisch-amerikanischen Künstlers Francesco Clemente mischen traditionelle Techniken mit zeitgenössischen Ideen. Das Avo Ovo , das Clemente 2005 in Madrid gemalt hat, verwebt die persönlichen Erfahrungen des Künstlers mit der neapolitanischen Geschichte.

Berühmte Fresken aus Antike und Moderne

Die lange und kulturell vielfältige Geschichte der Freskenmalerei hat uns viele schöne Fresken hinterlassen, die jeweils für ihre Zeit emblematisch sind. Im folgenden Abschnitt werden wir uns einige der berühmtesten Fresken aller Zeiten genauer ansehen. Wir beginnen mit frühen Fresken aus der klassischen Antike und Sri Lanka und gehen dann zu einigen der berühmtesten Fresken aus der Zeit der Hochrenaissance über.

1600-1450 v. Chr: Rumpfspringendes Fresko

Dieses Fresko schmückt die Wände des Palastes von Knossos auf Kreta. Trotz des unglaublichen Alters dieses Freskos sind die Farben noch immer lebendig und die Komposition vollständig. Das Fresko, das um 1400 v. Chr. gemalt wurde, zeigt stark stilisierte griechische Figuren, die über einen Stier springen. Einzelne Männer vollführten akrobatische Kunststücke, wenn sie bei diesem einzigartigen minoischen Stiersprungritual über den Rücken von Kühen und Stieren sprangen. Dieses Fresko ist eines der berühmtesten Kunstwerke der alten Minoer und sein Zustand ist ein Beweis für die Haltbarkeit der Freskomalerei.

500-400 v. Chr: Sigiriya Felsenfresken

Die Westseite des Sigiriya-Felsens in Sri Lanka ist mit einem Fresko aus dem 5. Jahrhundert v. Chr. geschmückt. König Kasyapa gab diese Serie von Fresken in Auftrag, um seinen Palast in ein ätherisches Königreich zu verwandeln. Die Fresken stellen zwei stilisierte Frauen dar, die Schalen mit Blumen halten. Viele glauben, dass es sich um himmlische Nymphen handelt, die Sterbliche und Könige mit himmlischen Gaben beschenken. Andere halten die Frauen für Konkubinen und Königinnen aus dem Harem von König Kasyapa.

Wer auch immer diese Frauen sind, ihre Schönheit ist auch heute noch lebendig und wird durch die felsige Höhle, die sie umgibt, vor dem Wetter geschützt. Dieses Fresko befindet sich etwa 100 Meter über dem Boden in einer kleinen Höhlentasche. Ob sie nun himmlische Wesen sind oder nicht, diese Frauen haben die Gesellschaft, die sie geschaffen hat, überdauert.

Antony Stanley aus Gloucester, UK, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

55-79 CE: Sappho Fresko

Wir haben bereits über den Reichtum an Fresken gesprochen, die in Pompeji entdeckt wurden, und dieses Fresko, auch bekannt als Frau mit Wachstäfelchen und Griffel, ist ein wunderschön erhaltenes Beispiel. Dieses Fresko ist ein wunderbares Beispiel für die Beständigkeit der römischen BuonFresken. Das Sappho Fresko hat den Vulkanausbruch überlebt und ist noch immer in sehr gutem Zustand.

Das Sappho Fresko stellt eine sehr wohlhabende junge Frau dar, die in luxuriöse Gewänder gekleidet ist, mit Goldfäden im Haar und großen goldenen Ohrringen. Die Frau hält einen Griffel an ihre Lippen und einen Stapel Wachstafeln in der anderen Hand. Obwohl sie nach Sappho benannt ist, haben die Wachstafeln, die mit der Buchhaltung in Verbindung gebracht werden, keine Verbindung zu der griechischen Dichterin.

Naples National Archaeological Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

1442-1443 CE: Die Verkündigung

Für viele Kunsthistoriker steht dieses Fresko für den Übergang vom Mittelalter zur Kunst der frühen italienischen Renaissance. Das vom Italiener Fra Angelico gemalte Fresko Die Verkündigung hat eine realistischere Komposition als frühere mittelalterliche Gemälde. Ein Großteil des Realismus kommt von der Art und Weise, wie Angelico ein Gefühl von Tiefe durch die Verwendung eines Fluchtpunktes eingefangen hat.

Ein Fluchtpunkt ist eine perspektivische Technik, bei der die Künstler das Werk entlang orthogonaler Linien komponieren, die an ihrem Schnittpunkt verschwinden.

Dieses Fresko ist nicht die erste Auseinandersetzung Angelicos mit dieser religiösen Ikonografie, denn er schuf ein weiteres Fresko und drei ähnlich komponierte Tafelbilder. Dieses Fresko, das sich im Kloster San Marco in Florenz befindet, ist eines der berühmtesten Frührenaissance Fresken.

Fra Angelico, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

1495-1496: Das letzte Abendmahl

Dieses Secco Abendmahl ist vielleicht eines der berühmtesten Freskengemälde aus der italienischen Renaissance. Das Kloster Santa Maria Delle Grazie beauftragte da Vinci, dieses Fresko zu malen, das das letzte Mahl Jesu mit seinen Jüngern darstellt.

Das letzte Abendmahl ist das einzige erhaltene Fresko von da Vinci und sein größtes Gemälde. Der Forschergeist, der da Vinci als den ultimativen Renaissancemenschen kennzeichnet, zeigt sich in dieser Abweichung vom traditionellen Buon fresko. Leonardo da Vinci schuf dieses Gemälde mit einer modifizierten secco fresco Technik.

Auf trockenem Gips mit weißer Bleigrundierung malte da Vinci mit Temperafarbe und Öllasuren, um die Farbbrillanz zu erhöhen. Die Verwendung von Temperafarben ermöglichte es da Vinci auch, die für ihn bekannten Mischungen herzustellen und die Komposition zu verändern.

Leider war dieser experimentelle Stil nicht gut für Gipswände geeignet und das Fresko begann zu Lebzeiten von da Vinci zu verfallen. Das wunderschöne Fresko, das wir heute sehen, wurde mehrmals restauriert, und nicht alle dieser Restaurierungen waren gut. Trotz des Verfalls und des etwas lückenhaften Restaurierungsprozesses gibt es einige Merkmale von da Vincis Komposition, die es zu einem seiner größten Werke machen.

Das letzte Abendmahl verwendet eine Ein-Punkt-Perspektive, die da Vinci mit orthogonalen Linien geschaffen hat, die zur Rückseite des Gemäldes verlaufen. Der Effekt dieser Perspektive ist, dass der Betrachter den Raum innerhalb des Freskos so sieht, als wäre er eine Fortsetzung seines eigenen Raums.

Leonardo da Vinci, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Leonardo da Vinci schafft auch eine Lichtquelle auf der linken Seite des Freskos, die mit dem natürlichen Fensterlicht im Raum übereinstimmt. Dieser Lichteffekt unterstreicht den Realismus des Freskos. Schließlich schafft da Vinci einen realistischen Humanismus in diesem Fresko, indem er die ganze Bandbreite der Emotionen in den Gesichtern der Jünger zeigt, als Jesus erklärt, dass einer von ihnen ihn verraten wird.

Das letzte Abendmahl Fresko von da Vinci ist das erste Gemälde des letzten Abendmahls, das die Figur des Judas unter die anderen Jünger am Tisch setzt. In früheren Gemälden wurde Judas immer getrennt von den anderen Jüngern dargestellt, damit der Betrachter ihn identifizieren konnte.

Leonardo da Vinci platziert ihn fest zwischen den anderen Jüngern, aber er verwendet einige clevere Kompositionstechniken, damit der Betrachter Judas leicht finden kann. Zum Beispiel ist die Figur des Judas dunkler schattiert als die Jünger um ihn herum, denn da Vinci nutzt die Symbolik von Licht und Dunkelheit, um seinen moralischen Charakter hervorzuheben.

1508-1512: Die Decke der Sixtinischen Kapelle

Dieses riesige Buon Fresko von Michelangelo ist zweifelsohne eines der berühmtesten Fresken, die je geschaffen wurden. Das farbenfrohe und komplexe Fresko erstreckt sich über die gesamte Decke der Sixtinischen Kapelle. Dieses Buon Fresko zeigt neun wichtige biblische Szenen und 343 einzelne Figuren. Michelangelo schafft ein Gefühl der Tiefe in diesem Fresko, indem er Teile des nassen Intonakos um viele dieser Figuren herum herauskratzt.

Jean-Christophe BENOIST, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Michelangelo soll zunächst Bedenken gehabt haben, als er gebeten wurde, dieses Fresko zu vollenden, weil er sich in erster Linie als Bildhauer sah. Trotz seiner Zweifel stimmte er zu, die Decke dieser Vatikankapelle zu bemalen. Nicht nur der Umfang dieses Freskos war ehrgeizig, sondern auch die architektonischen Besonderheiten der Decke machten die Aufgabe noch anspruchsvoller. Ein großes Gerüst wurde aufgestellt, und Michelangelo und seine Assistenten begannen mit den Malarbeiten.

Nach einiger Zeit entließ Michelangelo seine Assistenten und vollendete die gesamte Decke im Alleingang. Michelangelo musste die Verzerrung der Perspektive ausgleichen, die durch die Architektur und die gewölbte Decke entstand. Michelangelo entwarf eine illusionäre architektonische Struktur in der Mitte der Sixtinischen Decke, die die biblischen Szenen einrahmte.

1511: Die Schule von Athen

Unser letztes berühmtes Fresko stammt von dem dritten großen Maler der Renaissance, Raffael. Diese Serie von monumentalen Fresken ist von den vier wichtigsten Denkschulen inspiriert: Recht, Theologie, Philosophie und Poesie. Die Schule von Athen ist das Fresko, das die antiken griechischen Philosophen durch Porträts von Euklid, Platon, Sokrates und Aristoteles feiert. Raffael hat sogar ein hinterhältiges Selbstporträt in dieses Fresko eingebaut.

Wenn du den Vatikan besuchst, kannst du dieses Fresko und die anderen drei an den Wänden des Apostolischen Palastes finden. Die anderen drei Fresken heißen „Disputation des Heiligen Sakraments“, „Triumph von Galatien“ und „Sixtinische Madonna“.

Alle vier Fresken wurden innerhalb von fünf Jahren zwischen 1509 und 1514 fertiggestellt, was ein beeindruckend kurzer Zeitrahmen für solch großformatige Fresken ist. Obwohl Raffael erst Ende zwanzig war, als er den Auftrag für diese Fresken erhielt, stand er damit im Wettbewerb mit Michelangelo und da Vinci.

Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Technik der Freskomalerei ist seit jeher ein wesentliches Merkmal vieler kultureller Kunstwerke. Von den Buonfresken der griechischen und römischen Antike bis zu den riesigen Fresken einiger der Hochrenaissance berühmtesten Künstler hat das Medium Fresko dafür gesorgt, dass die Kultur und Geschichte unserer menschlichen Zivilisation nicht vollständig verloren gegangen ist. Mit Pigment und Gips können wir einen Blick darauf erhaschen, wie das Leben vor so langer Zeit war.